mardi 23 mai 2017

I BELONG TO THE BAND Bohman Mayne Sörès Van Schouwburg

I BELONG TO THE BAND,  the weird Danubian psych noise improv group
ON TOUR HUNGARY JUNE 2017 : 
23rd june 8:30 PM Kèk Lò  Budapest - Rakoczy Tér 
24th june 8:30 PM Vezsprém Castle  Night of the Museums
25th june   TBC 

IBTTB : Adam Bohman amplified objects & texts/ Zsolt Sörès viola toy synthesizers, circuit bent toys, dictaphone tapes, lo-­fi sound sources, contact microphones, effects, objects/ Oli Mayne vibraphone, synthesizers, contact microphones, effects, objects/ Jean Michel Van Schouwburg voice - will unleash their unique soundworld made from toys & DIY electronics, kitchen sink & amplified objects, weird soundsources, human voice, jazz vibes, what hey honed since in Budapest's clubs and lofts and some hungarian venues since march 2010.

I Belong To The Band
 played for the very first time 7 years ago as an informal meeting in march 2010 at the R33 club in a post-industrial no-go zone in Budapest and continued forever since, playing in Budapest-clubs and bars, Szeged and Eger 'Art-Alom in Hungary. Then they toured Belgium and UK in march 2017 : Haekem in Brussels, Hundred Years Gallery in London and Safehouse @ the Verdict in Brighton.  New tour june 2017 around Hungary....


Their double album project Bakers of the Lost Future was recorded live in 2010 & 2013 (+ 1 track studio) and shows their unique blend of sounds and subtle electronica at the borders of free improvisation, DIY electronic music, noise ambient and danubian psychedelia https://inexhaustibleeditions.bandcamp.com/album/bakers-of-the-lost-future . The live only-acoustic track of this album features legendary unique multimedia artist and singer Katalin Ladik . 




London-based experimental musician and artist Adam Bohman (1959) has been operating on the outer fringes of underground music for decades. Working with home-built instruments, found objects, tape cut-ups, collages, ink drawings and graphic scores. Favouring acoustic sounds over electronics, he explores the minute tendrils of sounds coaxed from any number of non-musical instruments and objects. He is a member of British experimental groups Morphogenesis, The Bohman Brothers, Secluded Bronte and The London Improvisers Orchestra and works cooperatively with Adrian Northover and Sue Lynch in the Custodians of the Realm and the Horse Improv Club. http://www.adriannorthover.co.uk/thecustodians.html  

Zsolt Sőrés
 (1969) is an improvising intuitive musician, experimental sound artist, editor and writer based in Budapest, Hungary. His music characterised by formation strategies and immediate transitions; the use of unstable acoustic systems and continuous sound layers, which can develop towards a sound economy. His recent collaborations in the context of improvised music include performances with Franz Hautzinger, Isabelle Duthoit, Christian Kobi, Christian Skjød, Thanos Chrysakis, Richard Barrett, Richard Scott and the legendary Faust group. ahadmaster.blogspot.com 


Experimental vibraphone, electronics and analogue synthesizer player Oliver Mayne (1971) first encountered improvisation in a duo with a Brazilian pianist whilst living in Nottingham, England, but got more seriously involved in the adventurous side of music after moving to London, attending the weekly improvisation workshops run by Eddie Prévost of legendary British improvisation group AMM. He has been involved in various recordings through the years, including releases on Glitterhouse, Clinical Archives and Aural Terrains.


Jean-Michel Van Schouwburg
 (1955) is an improvising singer and vocal performer from Waterloo, Belgium. He has developed throat singing, overtone, jodel, mouth sounds, falsetto, and multiphonic techniques and invented imaginary languages since the 90's. He is working in the trio Sureau with Jean Demey and Kris Vanderstraeten and Trio 876 with Matthias Boss and Marcello Magliocchi; and has played and recorded albums with John Russell, Lawrence Casserley, Adam Bohman, Sabu Toyozumi, Paul Dunmall, Marjolaine Charbin, Gianni Mimmo & Yoko Miura. http://soundcloud.com/jean-michelvanschouwburg



Audiohttps://soundcloud.com/jean-michelvanschouwburg/170305-i-belong-to-the-band-hundred-years-gallery

Video
I Belong to the Band  LIVE 1ST GIG MARCH 2010 Klub 33

the bakers of the lost future    dec 2010 : Roham Bar Budapest 
https://vimeo.com/177183524
In Eger's art Alom Nodance 24-9-2013
IN Kek Lo  17/11 2016 

Album
Review :
Budapest Saroksari Ùt Budapest Pictures by Peter Strickland.


  Art Alom Eger 2013


Acoustic IBTTB feat. Katalin Ladik @ Fuga Budapest ( 3rd Track of CD1)



mardi 16 mai 2017

Eve Risser Benjamin Duboc Edward Perraud/Amalgam Trevor Watts/ Richard Scott/ Eric Zinman/ STAUB Quartet/Ivo Perelman Matthew Shipp Bobby Kapp

Eve Risser Benjamin Duboc Edward Perraud  En corps : Génération DarkTree DT07
Musique en suspension, aérée, spacieuse, introvertie, trio percussions (Perraud), contrebasse (Duboc) et piano (Risser). Notes éparses au clavier, vibrations bourdonnantes du gros violon et harmoniques au coup d’archet, économie des frottements et des coups sur les peaux et les pièces métalliques. Des corps : 37’:39’’ de réelle mise en commun, crescendo minutieux vers l’intensité et la densité. La tension monte lentement, inexorablement Cette association Risser - Duboc - Perraud est une parfaite réussite qui combine et synthétise plusieurs points de vue sur la manière d’improviser librement avec une profonde cohérence. La lisibilité de cet enregistrement de concert (13 mars 2016 en Autriche) fait de cette improvisation un des documents indispensables du trio piano - contrebasse - percussions dans le domaine de l’improvisation radicale. Ce n’est que passé la vingtième minute que la pianiste prend son clavier à bras le corps en croisant, juxtaposant et précipitant les accords.  L’activité fébrile de Perraud sur ses peaux amorties d’objets divers laisse ouvert le champ sonore à ses collègues. Tirant comme un malade sur ses cordes Duboc pousse le trio comme un forcené.  Passéla demie heure, c’est à son tour de faire vibrer l’air ambiant avec des notes puissantes, énormes. On pense à Haden, sans rire ! Le batteur répond par des séquences de roulements décalés qui sursautent par intervalles. Un carillon d’ostinati répétés au piano préparé ramène le trio vers une communion subtile, entière. Un decrescendo final réussi. Applaudissements. Des âmes : 16’ :53’’ offre encore un supplément d’âme et d’audace à cette musique magnifique en plongeant dans le sonore, froissements des métaux, grondement graves des cordes, cymbales vibrantes, chocs percussifs, fracas, réitérations rageuses à pleines mains au clavier, martèlements compulsifs omniprésents, la contrebasse enfle insensiblement jusqu’au délire…. Une apothéose finale : quatre notes dissonnantes ressassées violemment comme s’il n’y avait pas de solution de fin. Grondement raclement ultime du tom grave. Applaudissements éperdus.

Closer To You Amalgam Trevor Watts Colin Mc Kenzie Liam Genockey Hi4Head HFHCD019

Frénésie funky , souffle survolté conjugant soul attitude et articulations sinueuses et virevoltantes au sax alto, martèlement polyrythmique et binaire , thèmes au découpage décoiffant, le trio d’Amalgam en 1978 s’était momentanément débarrassé des guitares électriques avant l’arrivée du guitariste Keith Rowe et son bruitisme paradoxal dans ce contexte (Wipe Out 3CD FMR 1979). Réédition bienvenue d’un album Ogun auquel Watts et Nick Dart ont rajouté cinq inédits pour un total de 23 minutes. Le passage du saxophoniste Trevor Watts au binaire dansant a interloqué plus d’un amateur et collègue, surtout pour un tel puriste de la free-music. A l’écoute, on est subjugué par l’exultation, l’engagement viscéral du trio, la rage de jouer du bassiste (électrique) Colin McKenzie, la puissance pénétrante et la physicalité de ce souffleur exceptionnel qu’est Trevor Watts et les rafales cogneuses du batteur Liam Genockey. Pour chacune des compositions, les trois acolytes renouvellent l’approche sonore, la métrique, l’imbrication de leurs jeux respectifs. Entre jazz populaire et exigence musicale inflexible, une expérience qui a fait date dans le free-jazz européen. Tout en adoptant un idiome qu’on suppose ou qui semble à première vue plus convenu, Watts insiste sur le fait que son groupe fonctionne avec les exigences collectives de l’improvisation libre radicale, musique communale de partage et d’échange sensible, à l’écart de toute hiérarchie et des effets de mode. D’ailleurs, lorsque le groupe n’était pas en tournée Amalgam répétait quasiment chaque jour, créant au fil des mois une cohésion étonnante dans les enchevêtrements mélodico-rythmiques. Trevor Watts est sans nul doute un des trois ou quatre géants du sax alto dans le sillage d’Ornette et Dolphy. Deux ans après cette session, Watts mettra fin à son Amalgam pour commencer l’aventure de Moiré Music, tout aussi surprenante. Chacun des albums d’Amalgam / Trevor Watts réédités révèle une dimension cachée, une autre intensité, un timbre du saxophone légèrement différent, un vécu renouvelé, une urgence du cri.

Richard Scott Several Circles Cusp 003

Son instrument est le synthétiseur modulaire et il se présente lui-même comme un modular synthesist. Richard Scott a développé une conception complexe de la musique électronique en temps réel et réalisé une installation véritablement originale. Comme on peut l’entendre dans cet enregistrement de quinze pièces, une qualité exceptionnelle de la dynamique sonore, une attaque d’une précision et d’une finesse sidérante, une variété de timbres, de textures, de mouvements et d’accents …. Au fil des secondes, il modifie simultanément une multiplicité de paramètres de création des sons de synthèse, assumant toutes possibilités inhérentes à la musique électronique. Et quel sens étonnant de la pulsation , du rythme décalé, …. Il suffit de rejoindre  http://richard-scott.net pour s’en rendre compte. Several Circles est avant tout un témoignage documentant le savoir-faire étonnant de cet electronic wizard proche de Richard Barrett et Paul Obermayer et qui travaille avec la chanteuse Ute Wassermann ou le trompettiste Axel Dörner. Plutôt qu’une œuvre spécifique. Chaque pièce développe une idée et un matériau bien précis avec une véritable précision d’intention. Au niveau formel (complexité, rythmique et subtilité sonore), un observateur minutieux pourrait lui trouver des accointances avec le travail de Thomas Lehn ou celui de Willy Van Buggenhout même si leurs instruments sont tout-à-fait différents. À écouter absolument si vous vous intéressez à la fois à la musique électronique « en temps réel » et à l’improvisation libre. Un artiste exceptionnel.

Eric Zinman Zither Gods Improvising Beings ib58
Enregistré de 2011 à 2015 Zither Gods rassemble les points forts des pianismes d’Eric Zinman, un bostonien élève de Bill Dixon et de Jimmy Giuffre au New England Conservatory. Après une superbe incursion dans les cordes du piano, magnifiquement enregistrée, qui nous fait entendre les timbres des cordes frottées, pincées, grattées, percutées avec une belle dynamique et une solution de continuité dans le jeu, Zinman s’attaque à des pièces anguleuses, louvoyantes, percutantes au clavier. Je le cite (dans les notes de pochette) : « Le piano est une cithare géante de 88 tonalités tribales accordées sur l’existence. Le piano est dans (a state of) flux. La ritournelle de Tin Pan Alley s’est brisée. Elle s’est diluée dans la société du souviens-toi quand ? Autrefois une source de revenus pour ASCAP, le piano est aujourd’hui enfermé dans des institutions. Quelque part dans un éventuel living room « Uncle Seymour » connaît encore toutes les chansons et tous les accords. Je me souviens de Stephen en deuxième année. Il ne connaissait aucune de ces chansons, ni aucun de ces accords ; mais il aurait joué l’herbe de la prairie, le vent, les arbres. Les élèves riaient de lui. Le professeur toléra cela durant un bon moment. …. Dans les 90’s ; j’ai commencé à imaginer le piano comme des séries de tambours rituels « à main » délicats et orageux, se répandant comme un torrent rugissant entre mes mains, la transe irrésistible, touches semblables à des blocs colorés, gestes de peintre, clusters, verre brisé, boîtes parlantes de cristal, le piano a de nombreuses voix telles qu’un biniou soufflant, un tambour-à-corde, ou un vibraphone. Le piano devient un  urban yippy – coyote  gamelan interspecies orchestra. Il n’y a pas de métronome pour la montre molle (de S. Dali). Joue ta harpe dans le jardin de la tribu. Raconte ton histoire ! 1 = X encompassing all elements (couleur, dynamique, registre, attaque, diminution, densité, etc…) orchestra d’extase, vents arctiques et dieux des cithares » .

STAUB Quartet House Full of Colors Carlos Zingaro Miguel Mira Hernani Faustino Marcelo Dos Reis JACC Records
Un quartette violon violoncelle contrebasse et guitare acoustique. Six pièces d’une musique de chambre libérée au titres évocateurs : Quiet Arcs, Red Curtains, Opacity Rings, Knots of Light, Resonant Shades, Discrete Auroras. La guitare de Marcelo Dos Reis piquette et active l’ensemble, le jeu sinueux et expressif de Zingaro, unique en son genre, au lyrisme expressif  unique se détache. Échanges en pizzicati sautillants entre violoncelle, contrebasse et guitare engendrant une séquence à l’arraché évoquant un lever de rideau intempestif (Red Curtains), la puissance inouïe du violon surfant sur les ostinati bondissants du violoncelle et de la guitare. Opacity Rings fonctionne au ralenti avec une superbe vocalisation du frottement de l’archet au violon assombrissant l’atmosphère. La contrebasse crée un effet de balancier sur trois notes réitérées inlassablement repris ensuite par la guitare comme une tampura indienne. L’improvisation du violon enchaîne plusieurs affects nourris par le jeu du violoncelle. Dans le morceau suivant le violoniste poursuit sa quête inlassable par dessus le charivari des frappes rebondissantes de ses collègues, vers un maelstrom agité (Knots of Light) lequel s’apaise un peu en étirant le jeu un bref instant avant la fin abrupte. Le quartet joue de manière soudée et expressive des compositions relativement basiques tremplin pour les improvisations dans lesquelles se détachent l’impressionnante virtuosité du violon de Carlos Zingaro. Son jeu endiablé devient contagieux : le violoncelle s’enflamme et  le guitariste tire son épingle du jeu dans Resonant Shades. Encore un superbe témoignage du talent exceptionnel de violoniste de Carlos Zingaro. Avec un mais : ses trois collègues se cantonnent à créer un background, intense, dynamique, certes, au service d’une musique free modale un peu trop répétitive à mon goût. J’écoute cela avec plaisir tout en préférant l’orientation musicale de groupes à cordes comme ZFP (Zingaro-Mattos-Fell-Sanders) ou le Stellari Quartet (Wachsmann-Hug-Mattos-Edwards)

The Art of Perelman-Shipp Volume 2 Tarvos Ivo Perelman Matthew Shipp Bobby Kapp  Leo Records CDLR 2017

Leo Records poursuit inlassablement son édition minutieuse et incontournable de la musique du duo Ivo Perelman (au sax ténor) et Matthew Shipp (piano). Ces deux musiciens sont sans doute parmi les plus prolifiques de ces dernières années, jouant un jazz libre librement improvisé de haute volée. Dans le sillage des plus grands ténors - Trane, Rollins, Shepp, Ayler, mais aussi Evan Parker et Paul Dunmall (et  plusieurs autres) – le brésilien Ivo Perelman a trouvé le partenaire idéal dans le pianiste Matthew Shipp, lequel propose une synthèse aboutie et très originale, lyrique et complexe, conjuguant les avancées de Cecil Taylor, Andrew Hill et Paul Bley avec les pianismes contemporains. Le chant sensuel et écorché, intense et expressionniste introverti d’Ivo Perelman occupe aujourd’hui une place unique dans la scène jazz improvisée et, en dialogue avec Matthew Shipp, on assiste à un miraculeux dialogue qui peut s’étendre au fil des albums sans se diluer. Il y a sept volumes dédiés à chacune des satellites de Saturne dans cette série The Art of Perelman - Shipp.

On se souvient des derniers enregistrements de Coltrane avec Mc Coy, Jones et Garrison puis Rashied Ali et Alice Coltrane qui invoquaient les planètes : Venus, Jupiter, Saturn. Il était question de gravitation dans les infinis des sphères harmoniques.  Ivo Perelman privilégie une manière colloquiale, et ses sauts de registre font vibrer les harmoniques aiguës les faisant chanter  le plus sincèrement du monde contrebalancé par les fascinants doigtés de son alter-ego qui n’hésite pas à solliciter le blues. Tarvos convie les efforts du duo avec un revenant de la batterie de la première époque free-jazz des années : Bobby Kapp. Après avoir joué du jazz moderne dans les Catskills en été et avec Dave Burrell à NYC, il émigra à Mexico-City, réapparaissant 40 ans plus tard avec Noah Howard et maintenant avec Perelman et Shipp. Les deux compères ne tarissent pas d’éloges dans les notes de pochette. Et de fait la finesse du jeu et la sensibilité de ce septuagénaire est le complément idéal à cette fontaine intarissable d’invention mélodique au saxophone ténor et à la majesté distinguée aux claviers. Sa frappe clairsemée, son jeu aux balais suggère le swing, respire la fraîcheur, l’ouverture. Plongé dans la vie mexicaine depuis des décennies, Bobby Kapp a latinisé son jeu, faisant flotter les pas d’un danseur imaginaire dans l’espace sonore, évacuant la moindre trace d’une éventuelle lourdeur, souvent le sort de nombreux batteurs (Quelle prise de son !).  Sept compositions instantanées pour un total de 49 minutes au bord de la tendresse, de la dérive poétique, d’une imagerie subtile avec l’élasticité des intervalles et de l’attaque des notes. Sans crier, sans frapper, sans détonner, le couple Perelman - Shipp exprime la passion, une gradation miroitante dans les émotions les plus variées, étirant l’un, une infinie mélodie chavirante, l’autre le chant mesuré des marteaux sur les cordes, enlaçant leurs affects dans la légèreté cristalline des frappes de ce phénomène musical qu’est Bobby Kapp.

vendredi 28 avril 2017

IVO PERELMAN & MATTHEW SHIPP SUNDAY 21 MAY 5 PM L'Archiduc bRUSSELS



mercredi 29 mars 2017

Alterations : Peter Cusack Steve Beresford Terry Day David Toop/Trevor Watts String Ensemble/ Loz Speyer’s Inner Space/Richard Scott ‘s Lightning Ensemble & Jon Rose/ In Layers Onno Govaert Marcelo Dos Reis Luis Vicente Kristjàn MartinssonIn Layers Onno Govaert Marcelo Dos Reis Luis Vicente Kristjàn Martinsson

In Layers Onno Govaert Marcelo Dos Reis Luis Vicente Kristjàn Martinsson FMR CD4271116
Excellent quartet de jeunes musiciens qui nous offrent ici des improvisations complètement libres d’une grande lisibilité et un vrai sens de la dynamique. Kristjàn Martinsson a préparé son piano et en joue au clavier, faisant tinter les cordes amorties par les objets (clous, boulons, morceaux de bois, gommes etc… , je suppose). Dans les larges interstices ouverts par le jeu parcimonieux de la percussion et du piano dans Glaze (I), la guitare de Marcelo Dos Reis, fait entendre des intervalles distendus et le trompettiste Luis Vicente explore la colonne d’air et l’embouchure. Fresco (II) : les échanges s’emballent, la trompette se fait lyrique et décolle par dessus les vagues du pianiste. Il cultive les registres extrêmes avec une ductilité spontanée et s’affirme au fil des enregistrements (Fail Better ! et Chamber 4). Onno Govaert affiche une conception sonique et libérée de la percussion en amortissant la frappe et diversifiant les sons à l’instar des Paul Lovens et des Roger Turner. Créant avec conviction un territoire commun qu’ils traversent dans un cheminement à la fois construit, évolutif et instantané, les quatre improvisateurs se révèlent dans une véritable musique de groupe avec une identité propre et une profonde capacité aux dialogues croisés. Lorsqu’ils sont entraînés dans un flux intensif, il faut tendre l’oreille pour retracer le jeu enfoui de la guitare et c’est bien un challenge difficile à relever lorsque le pianiste, le batteur et le trompettiste choisissent cette démarche. Fort heureusement, dans le remarquable Underdrawing (VI) le jeu sensuel du guitariste se distingue clairement et c’est tout autour que se polarisent l’invention sonore de Vicente et Govaert et les arpèges aériens réitérés de Martinsson. Un beau final !

Alterations Void Transactions : Peter Cusack Steve Beresford Terry Day David Toop. Unpredictable Series.

Groupe aussi improbable par les instruments et la personnalité de chaque musicien, qu’excentrique et légendaire, Alterations s’est réuni tout récemment après trente années de silence. En fait, je me souviens très bien de leur mémorable dernier concert lors du Festival Incus en avril 1986 et j’ai pu écouter chacun de leurs albums. C’est à tout point de vue un groupe inclassable. Leurs musiques se font croiser moultes pratiques musicales, idées, attitudes et références et parfois collisionner les inspirations individuelles. Véritablement imprévisible comme le revendique leur label Unpredictable. Pour ces concerts de juin 2016 enregistrés à l’occasion de l’Alterations Festival, un coffret collector reprenant quatre concerts dont celui du Festival Incus mentionné plus haut, avait été publié avec une pochette arty différente pour chaque copie.
Crédits de Void Transactions  : Acoustic Guitar, Field RecordingsPeter Cusack. Drums, Percussion, Objects, Balloons, Bamboo Pipes – Terry Day. Electric Guitars, Bass, Flutes, Objects, Fiddle -  David Toop. Piano, Electronics, ObjectsSteve Beresford. Design Blanca Regina Design and Tomi Osuma and Liner NotesDavid Toop. Mixed and Mastered by  Dave Hunt. Recorded BySyd Kemp London Café Oto June 18-19 2006.
Impossible de passer par le menu chaque composante musicale et de décrire les permutations orchestrales de ces multi-instrumentistes qui font coexister la chèvre et le chou dans une dérive improbable. A eux seuls, les Alterations constituent un courant dans la musique improvisée libre la débordant de ses « limites » non-idiomatiques (british), tout à fait à l’écart des modèles référentiels, tels Spontaneous Music Ensemble, AMM, le duo Bailey-Parker, Butcher/Durrant/Russell, IST (Davies Fell Wastell) etc… On y trouve une dimension qu’on qualifierait volontiers de post rock ou post punk ou que sais-je et l’esprit du People Band. Donc voici un groupe mémorable qui,à près de trois décades d’intervalle, se manifeste à nouveau de manière bien réjouissante. Osons espérer que leur message tout particulier se fasse entendre, car il tranche indubitablement dans la lingua franca des musiques improvisées.

Auslanders : Live in Berlin Richard Scott ‘s Lightning Ensemble & Jon Rose Vernacular Recordings 001 / Sound Anatomy 006
Le Lightning Ensemble de Richard Scott est en fait un trio britannique composé du guitariste acoustique David Birchall, du percussionniste Phil Marks et de Richard Scott au synthé modulaire, présents en trio pour une longue improvisation de 24 minutes, Jon Rose se joignant à eux pour un deuxième morceau de 16 minutes. L’intérêt du trio réside dans la manière très originale par laquelle Scott intègre le flux de son jeu électronique dans les échanges acoustiques pointillistes de Phil Marks et David Birchall, musiciens ici focalisés dans un jeu volatile très retenu dans la lignée du Spontaneous Music Ensemble à l’époque de Face To Face (Emanem 1973).Richard est d’ailleurs un fan absolu du légendaire percussionniste dont le très mini-kit est à la base de cette intransigeante discipline. Cela contraste assez fort avec le côté « rentre de dans » très animé du même Phil Marks au sein du trio Bark! et du jeu électrique avec effets du guitariste que j’ai eu l’occasion d’apprécier lors d’une tournée dans le Nord de l’Angleterre. Le Lightning Ensemble se concentre sur une activité sonore interactive déconstruisant l’acte de jouer avec une excellente lisibilité. Une gestuelle de l’exploration sonore qu’on pourrait transposer visuellement dans la peinture abstraite. On peut parler dans le cas du percussionniste d’une coloration des frappes tant son nuancier sonore est diversifié d’une fraction de seconde à l’autre.Si cette musique s’intègre dans le corpus « traditionnel » de l’improvisation libre british initié par les pionniers d’AMM, du SME de John Stevens, de Music Improvisation Company (Bailey, Hugh Davies, Jamie Muir, Evan Parker), Paul Rutherford, Phil Wachsmann, mais aussi Gunther Christmann & Paul Lovens, etc..., elle invite notre écoute et notre imagination par une complexité qui évoque une irrésistible effervescence, paradoxale si on considère l’ascétisme minimal des deux instrumentistes et le surf elliptique de Scott sur les pulsations. Quand Jon Rose se joint au trio, les quatre musiciens se mettent à percoler et à faire tournoyer les sons tout en restant dans le registre post SME. Leur puissante conviction est propre à convaincre un « apprenti auditeur » de la profonde originalité de leur démarche et du grand plaisir qu’ils nous (et se) communiquent.

Loz Speyer’s Inner Space Life On the Edge Leo Records LR CD 782

Le producteur du label Leo, Leo Feigin, n’a pas mal fait d’évoquer l’Art Ensemble of Chicago pour nous exprimer son enthousiasme légitime et sa fierté de nous proposer l’Inner Space de Loz Speyer, un excellent groupe de jazz contemporain qui fait siennes de manière convaincante les avancées des quartets d’Ornette et de l’Art Ensemble. Si le poly-instrumentisme exacerbé de l’AEC est absent, on trouve dans ce quintet aussi remarquable et cohérent, une manière vraiment remarquable d’assembler les voix, de gérer les contributions individuelles, des colorations dans le jeu instrumental, un lyrisme évocateur digne des qualités de ce groupe légendaire. Une belle inspiration proche du blues, un sens aigu du contrepoint, une mise en valeur des arrangements. Un contrebassiste solide doué d’un réel mélodique, Olie Brice, un batteur efficace et subtil, Gary Wilcox et un trio de souffleurs aussi singuliers que pertinents avec une réelle capacité de mêler leurs voix pour en tirer le suc. Loz Speyer est remarquablement inspiré à la trompette et au bugle, ses inflexions très personnelles le rendent plus qu’attachant. Un improvisateur qui fait passer son message. Les deux saxophonistes sont deux pointures originales : le vétéran Chris Briscoe au sax alto et lequel travailla longtemps dans les projets de Mike Westbrook depuis les seventies ainsi qu’avec Chris McGregor et Rachel Musson au sax ténor et soprano dont le jeu original se fait régulièrement entendre en Grand Bretagne dans plusieurs groupes. Je goûte particulièrement les développements sinueux de Briscoe et la réelle capacité de Speyer à phraser et la belle empathie de Brice et Wilcox. Il y manque un peu de folie, mais on suppose qu’il faille assister à une prestation de concert pour que ce groupe bien huilé donne toute sa pleine mesure. Ce genre de musique mérite un peu plus d’agressivité et de déraison, à mon humble avis. Un groupe de jazz contemporain vraiment cohérent, bien qu’un peu trop sage, qui développe un style collectif réussi et original.

Cynosure Trevor Watts String Ensemble Hi4Head HFHCD 018

Dans mon jeune temps marqué par la découverte du free jazz, de l’improvisation libre radicale, de la musique contemporaine et de pas mal d’autres choses créatives, il y eut une ombre médiatique au tableau : l’incursion de musiciens doués et parfois géniaux dans les élucubrations ineptes du jazz-rock  commercial et de la "fusion". Suivez Soft Machine à la trace album après album ou la trajectoire des musiciens de « Miles électrique» au fil des contrats et des tournées et vous allez être édifiés. Au grand dam des puristes, dès 1975, on vit le fer de lance de la free music « improvisation libre » militante, prosélyte et collectiviste londonienne, John Stevens et Trevor Watts, se lancer dans une démarche jazz-rock (ou rock-jazz) électrique, tranchante et virulente qui laissa perplexe leur mentor inconditionnel, Martin Davidson (label Emanem) et bien d'autres. Les deux indissociables finirent par s’étriper quant au leadership de ce projet, l’Amalgam légendaire de Trevor Watts. S’il faut croire ce dernier, l’inénarrable John Stevens s’évertuait à phagocyter Amalgam, groupe créé par Watts, justement, pour échapper à la main mise du batteur sur le Spontaneous Music Ensemble et créer sa musique personnelle. Stevens créa ensuite son propre groupe Away et décrocha un beau contrat avec Vertigo, Robert Calvert remplaçant l’incontournable Watts au saxophone. Celui-ci, tout aussi imprévisible, finit par engager rien moins que Keith Rowe comme guitariste « bruitiste » pour remplacer les guitaristes rock au sein d’Amalgam, Steve Hayton et Dave Cole. Dans cette évolution surprenante de Trevor Watts qui le mena à ses projets Moiré Music et Moiré Drum Orchestra, je n’ai qu’un seul regret : que ce Trevor Watts String Ensemble n’ai pu être enregistré dans de meilleures conditions matérielles. En effet, on a droit à un son cassette rugueux et pas assez clair. Et c’est vraiment dommage, car je ne connais rien de pareil. Un batteur rock carré qui s’efforce à démultiplier les rythmes : le très remarquable Liam Genockey. Celui-ci remplaça un Stevens désobligeant à la dernière minute en 1975 et s’installa durant plus de vingt ans dans les groupes de Trevor sur la chaire fûts et cymbales. Un saxophoniste alto et soprano, extraordinaire avec une énergie et une musicalité époustouflantes : Trevor Watts. Deux guitares électriques, une basse électrique, un violon, un violoncelle, une contrebasse dans une alchimie simultanément mélodico-rythmique binaire et polyrythmique vraiment complexe : Dave Cole, Steve Hayton, Colin Mc Kenzie, Steve Danachie, Sandy Spencer et Lindsay Cooper. A l’époque où les Larry Corryell, John McLaughlin, Chick Corea se laissait glisser sur une pente savonneuse mercantile pleine de clichés et pourvoyeuse de billets verts, il y eut Trevor Watts et son utopie à contre-courant qui n’hésitait pas à mettre le feu aux poudres. Dans les cercles pointus free-jazz et avant-garde, ce tournant rock jazz lui fut reproché, mais il n’en eut cure, trouvant par la suite dans la scène internationale musiques du monde et multiculturelle un exutoire rémunérateur pour son Moiré Drum Orchestra. Dans son parcours musical, TW String Ensemble figure un peu comme un chaînon entre d’une part, les Amalgam acoustique free jazz et puis free-rock et l’orchestral Moiré Music et Moiré Music Orchestra. Cet enregistrement live « en répétition » survint en 1976, soit trois ans avant la mutation surprenante d’Amalgam avec le bruitisme provocant et ultra radical de Keith Rowe (quadruple album Wipe Out/ Impetus) et témoigne des audaces inconsidérées de Trevor, lequel insistait pour que coexistent dans la meilleure entente possible et à la fois parallèlement et en symbiose des démarches musicales très différentes voire hétérogènes, qui mêlent conceptions et sonorités rock, jazz, funk, avant-garde et même des échos des musiques celtiques dans une imbrication complexe et délirante. TW n’était pas à un paradoxe près et il risquait, avec un tel projet, sa réputation auprès des critiques, organisateurs, producteurs responsables. Même si cette musique  sonne violemment rock par rapport au jazz, elle ne fait aucune concession pour être « mélodique » et « accessible ». N’est ce pas ? La « fusion » proposée par les businessmen, fut un effet de mode « smooth » et lénifiant, celle de Trevor Watts fut particulièrement explosive et corrosive.  Ses thèmes soigneusement concoctés défilent sur des chapeaux de roues avec des rythmes difficiles à enlever et une furia irrépressible, sauvage, emportant tout sur son passage.  Les musiciens ont une trame très précise à suivre, mais ils peuvent en déroger en laissant le libre cours à leur imagination au fil des morceaux qui évoluent pour la plupart autour de la dizaine de minutes. Vraiment indescriptible. On songe un peu au concept des groupes harmolodiques d ‘Ornette Coleman mais la musique de Trevor Watts est plus radicale et abrupte. Cynosure fut publié initialement chez Ogun en 1977 et H4H s’apprête à publier un autre album Ogun, Closer To You, une perle d’Amalgam en trio. Il faut s’attendre, peut-être, à ce que Watts fasse rééditer une deuxième fois certains albums d’Amalgam qui figurent actuellement au catalogue CD du label FMR. Celui-ci s’est livré au fil des ans à une réédition massive et inespérée du catalogue Watts / Amalgam/ Moiré Music etc…, mais certaines rééditions souffrent au niveau du son, vraisemblablement repiqué des 33 tours. Avec Hi4Head, même si la prise de son originale est loin d’être satisfaisante, on a l’assurance que tout a été fait pour le mieux, avec un digipack de qualité. En outre, les morceaux inédits, Dance Trance  et Chip, qui clôturent l’album, ont une meilleure lisibilité que les précédents. Une singulière aventure.
  

mercredi 8 février 2017

/ Christoph Erb & Frantz Loriot/ Matthias Muche & Nicola L. Hein/ Sarah Gail Brand – Morgan Guberman/ Andrea Centazzo & Evan Parker/ Evan Parker & Seymour Wright


Sceneries Christoph Erb & Frantz Loriot Creative Sources CS 356 CD

Avec Sceneries, le label Creative Sources poursuit sa vitale documentation des musiques improvisées radicales mettant en valeur des artistes excellents, originaux, voire rares. Très belle collaboration entre un saxophoniste chercheur et un violoniste alto intense (ou l’inverse). S’inscrivant dans les territoires mis au jour par Evan Parker et ses brillants émules (Urs Leimgruber, Michel Doneda, John Butcher, Georg Wissel, Stefan Keune, Martin Küchen, Ariel Shibolet, sans oublier les Guionnet, Denzler et cie…), lui aussi saxophoniste ténor et soprano comme Evan et son compatriote Urs, le suisse Christoph Erb travaille sans relâche harmoniques, respiration circulaire, bruissements de la colonne d’air, prises de bec, techniques alternatives et mérite amplement qu’on l’écoute attentivement. C’est un souffleur original dans un domaine surchargé de talents et de démarches individuelles intéressantes. Ce qui rend ces Sceneries vraiment passionnantes se fait sentir dans la qualité du dialogue,  la profondeur de la recherche et à travers les équilibres que lui et son comparse altiste, Frantz Loriot, réussissent à atteindre. La fureur, la rage et le complet détachement du duo dans Annoyed hibernation et son prolongement avec Tincture, nous ramènent à l’esprit et l’urgence qui animaient Evan Parker jeune et le Doneda atteignant la maturité. Le dernier morceau montre qu’il continue à chercher de nouvelles sonorités et de nouvelles idées en les combinant avec succès. Frantz Loriot fait partie de cette jeune génération radicale qui a défini l’usage de l’alto (violon « plus grave ») et la mise en avant des spécificités sonores de cet instrument : après la flamboyante Charlotte Hug, suivent Benedict Taylor et Frantz Loriot et il y en a d’autres. Frantz fait exploser le timbre, étire les sons, tord la tessiture, sature les frottements d’harmoniques irréelles. Dans les mains d’un expert tel que F.L., le violon alto est devenu un instrument idéal pour faire éclater les sons à l’égal du saxophone poussant/ inspirant le saxophoniste à explorer de plus belle. Donc je vote sans hésitation pour ces deux improvisateurs, autant pour chacun d’eux séparément que pour l’entité vraiment remarquable qu’ils forment dans cet enregistrement en duo. Il faut suivre Christoph Erb et Frantz Loriot car ils nous persuadent déjà qu’ils iront encore plus loin en atteignant sans doute la plénitude de leurs aînés cités plus haut et de l’ombre desquels ils parviennent à s’imposer. Superbe album  à mettre dans la série des albums en duo à recommander !!
(PS, j’ai un album de Frantz Loriot chez FMR que je vais aller réécouter d’ici peu.)

Transferration Muche Hein 7000 Eichen Nach Joseph Beuys Jazzwerkstatt 174

Enregistrement dynamite entre un tromboniste puissant faisant plus qu’évoquer les Hannes Bauer, Albert Mangelsdorff disparus et les outrances du Gunther Christmann de l’ère FMP  et un guitariste noise tout aussi outrancier que virulent, Transferration ouvre avec un brûlot pétaradant (Stahlwille). Dès le deuxième morceau, Matthias Muche, étoile montante du trombone free, étire les sons et gargouille des borborygmes, faisant sursauter les timbres avec une sonorité grasse à souhait et un usage immodéré d’une singulière sourdine. La guitare destroy de Nicola L. Hein sature, stridente comme un moteur au bord de l’éclatement (Zwitschern), surmultipliant effets et décibels. Dick Vermummt nous fait découvrir une alternance de subtils effets de souffle et de multiphoniques contrarié par l’ostinato noise de la six-cordes martyre et laquelle se transmue dans un dialogue fascinant, le guitariste percutant comme un dératé et le tromboniste écartelant la colonne d’air en soufflant de plus belle. Ces trois premiers morceaux proviennent d’une séance studio. C’est à la Kunstlerhaus de Saarbrücken qu’ils poussent le bouchon encore plus loin dans les échanges expressionnistes – catégorie « réfléchi » (Kunstlerhaus I & II) tout en devenant au fil de ces 23 minutes plus lyrique (Muche) ou subtilement sonique (Hein). À recommander et deux musiciens à suivre….

dig a ditch and get in Sarah Gail Brand – Morgan Guberman  Regardless 02

Autre tromboniste, autres mœurs. La tromboniste Sarah Gail Brand est ici confrontée à l’expression vocale, phonétique et poétique du californien Morgan Guberman, le contrebassiste de la bande à Gino Robair, John Shiurba, Tom Djll… C’est un peu par hasard que Morgan Guberman s’est mis à chanter (slammer, éructer, vociférer et tout cela à la fois) un soir dans un lieu en Californie. Surréaliste. Un album mémorable est paru chez Emanem (Ballgames & Crazy). Je présente mes excuses à la musicienne autoproductrice pour n’avoir pas remarqué ce deuxième numéro de son label Regardless alors que je m’étais juré de la suivre à la trace. Voici qui est fait ! Issue de la tradition du jazz, tromboniste – chanteuse de l’embouchure, Sarah Gail Brand se révèle aussi lyrique et inspirée que son collègue est excentrique. Il n’y a d’ailleurs que des improvisateurs britanniques pour s’allier avec un artiste aussi particulièrement délirant pour créer un dialogue unique en son genre. Il y a fort à parier qu’un tromboniste allemand ou français n’aurait pas vaincu ses réticences et une forme d’a priori, conséquence d’un profond sérieux en matière de musique. Ce qui peut desservir une démarche musicalement intéressante se révèle parfois dans ce sérieux appliqué, générateur d’une relative morosité … (académique ?). Inspirée par l’invention verbalo-vocalique, les glossolalies et les déguisements ultra-réalistes ou tout-à-fait fantaisistes de l’organe vocal de Morgan Guberman, la tromboniste laisse transparaître son imaginaire, son amour des sonorités, une poésie de l’instant. Le vocaliste – poète (?) signe ici une performance peu commune. On nage dans le trombone tout autant que si on se tapait des heures avec le Gentle Harm of the Bourgeoisie et le Old Moers Almanach du grand Paul Rutherford, le fantôme délirant d’Hannes Bauer ou le pointillisme exploratoire de Gunther Christmann. On n’estimera jamais assez le rôle incontournable des trombonistes de la free music européenne dans le développement de la libre improvisation et, avec son collègue Paul Hubweber, Sarah Gail Brand est, à mon avis, une des trombonistes les plus idiosyncratiques. Cette idée d’associer trombone et voix humaine de la sorte est une des meilleures qu’on puisse avoir pour ne pas s’ennuyer et le culot de ces deux artistes est à la hauteur de leur talent individuel et de la pertinence des combinaisons sonores dans lesquelles ils se risquent, car ce n’était pas donné d’avance. Energie, douceur, folie, écriture automatique, logique, exploration sonore, dialogue, expression, équilibre en péril constant : ces deux artistes ont tout bon.

Duets 71977 Evan Parker & Andrea Centazzo  Ictus 178

Il y a au moins deux décennies qu’Evan Parker est devenu une valeur sûre de l’impro-jazzosphère et de la musique (sérieuse ?) d’aujourd’hui. Il fut un temps où il était l’outsider numéro un, même par rapport à des artistes clés et chefs de file de l’avant-garde comme Lacy, Braxton, Mitchell etc… Et en France, un trouble-fête du free d’obédience afro-américain et du folklore imaginaire, même si Michel Portal ne tarissait pas d’éloges. Apparu à Londres vers 1966, Evan Parker, en s’associant principalement au guitariste Derek Bailey et au percussionniste Paul Lytton,  s’est affirmé comme LE saxophoniste de la libre improvisation radicale en révolutionnant la pratique du saxophone et en révélant au public de l’époque les mystères sonores du saxophone soprano. Quasi disparition de la mélodie conventionnelle, même dodécaphonique ou sérielle, transformation radicale du son et du timbre en introduisant systématiquement le bruit par des effets de vocalisation, des harmoniques produites de manière dirais-je acrobatique, des coups de langue sur l’anche ultra rapide, des doigtés fourchus permettant de produire simultanément plusieurs sons en modifiant la pression des lèvres et de la colonne d’air en une fraction de seconde. En croisant ces techniques et ces sons, il entrait dans un univers inouï qui faisait dire aux commentateurs lucides qu’Ornette et Shepp c’était en fait pas très éloigné du be-bop. Cette démarche singulière était projetée dans l’espace acoustique avec une volatilité extrême et, bien entendu, la respiration circulaire lui permettait d’allonger ses phrases à l’envi. C’est d’ailleurs John Zorn qui a écrit les notes de pochette, tant Evan Parker fut pour ce musicien une influence fondamentale. Écoutez The Classic Guide of Strategy, l’album solo de Zorn de 1985 et comparez avec les Saxophone solos de 1975 de Parker et vous comprendrez. Aujourd’hui, Evan Parker a réactualisé et recontextualisé ses pratiques dans une vision plus lyrique (post- coltranienne ?) avec une musicalité extraordinaire et une technique instrumentale insurpassable. Une  extrême lucidité et une spontanéité naturelle. On devine bien que, chez les amateurs passionnés ou même les sélectionneurs prudents, la pile de cd’s d’Evan Parker peut se révéler imposante. Pourquoi achèterions-nous encore un nouvel album d’Evan Parker, alors que nous en avons à toutes les sauces ? Avec Barry Guy et Paul Lytton, le trio Schlippenbach avec Lovens, son Electro Acoustic Ensemble, Mark Sanders et John Edwards, Moholo, Edwards et Beresford, les pianistes Georg Gräwe, Matt Shipp, Uwe Oberg, Agusti Fernandez, Sylvie Courvoisier et Misha Mengelberg…. Wachsmann et Hauta-Aho… On en a le tournis. Simplement, parce qu’en 1975/76/77, Evan Parker était dans une phase sonore spécifique de son évolution durant laquelle il faisait exploser son saxophone soprano et que cette démarche a eu une influence, ou autrement, a présupposé qu’une autre démarche était possible, poussant la logique inhérente à celle des Coltrane, Dolphy, Ayler, Sanders le plus loin possible créant ainsi un nouvel univers, pour l’éclosion de toute une école de saxophonistes radicaux la plupart extrêmement talentueux. Zorn et Gustafsson bien entendu, mais surtout Michel Doneda, Urs Leimgruber, Larry Stabbins, Daunik Lazro, John Butcher, Stefan Keune, Martin Küchen, Georg Wissel, Jean-Luc Guionnet, Christoph Erb et bien d’autres. Même un artiste aussi foncièrement original et plus âgé comme Lol Coxhill a changé sa propre trajectoire esthétique dans l’orbite de l’attraction parkérienne. Sans doute, c’était dans l’air du temps. Mais peu d’instrumentistes de premier plan se révèlent aussi incontournable et définissent autant cette démarche radicale. À l’époque, peu d’enregistrements révélateurs ayant servi de manifeste furent (auto-) produits, et en outre, sur des labels indépendants disponibles en import (Incus). On peut citer l’album solo de 1975, (Saxophone solos, Aerobatics 1-4), un duo avec Derek Bailey (The London Concert), trois volumes du duo avec Paul Lytton (Collective Calls, Live at Unity Theatre et Ra 1+2), trois albums avec le Schlippenbach Trio ou Quartet, Music Improvisation Company chez ECM, le légendaire Topography of The Lungs et, bien sûr, The Longest Night, un album fortuit et magnifique en duo avec John Stevens, le mentor de ses débuts (1977 et disponible en double album CD chez Ogun, couplé avec un duo de 1993). Plusieurs de ces albums (les Incus, en fait) ont été réédités par son label Psi, mais ils se sont quasi tous vendus jusqu’au dernier. On peut se les procurer en les achetant en seconde main via Discogs avec parfois des prix prohibitifs. Les vinyles originaux sont bien sûr avidement recherchés et pour les plus âgés d’entre nous, il fallait consacrer du temps pour parvenir à les acquérir. Idem, les deux albums Company 1 et 2, en trio, publiés par Incus en 1977. Très vite, dès Monoceros en solo (1978) et le trio avec Guy et Lytton dès 1983 (Tracks, non réédité à ce jour), Evan Parker évolue vers une conception plus universelle de la musique, le rapprochant de Coltrane et même des subtilités d’un Warne Marsh. Donc, si vous voulez découvrir l’Evan Parker bruitiste des années 1970, qui est pour beaucoup actuellement, the Dark Side of the Moon de sa carrière, cet album est hautement recommandé pour que vous puissiez entrer dans ces arcanes révélateurs d’un univers disparu où la sophistication du jeu rencontre à la même intensité l’expressionnisme exacerbé. Une violence inouïe rendue encore plus active avec le contraste ahurissant d’avec les harmoniques ultra aigus si difficiles à produire, surtout à cette vitesse d’exécution. Il y eut Ayler, et puis, Evan Parker. Cela reste toujours aussi inouï et extraordinaire qu’à l’époque, même à quarante années de distance. Physiquement, au soprano, le saxophoniste le plus convaincant dans cette démesure sonore est Michel Doneda et c’est une honte que ce musicien ne soit pas autant sollicité que d’autres collègues qui semblent perpétuellement en tournée. Plus que çà, tu meurs. Donc avec ces duets de 1977, vous oublierez Gustafsson. Même si deux ou trois pièces live de Duets 71977 révèlent un son cassette, on a droit a quelques morceaux enregistrés clairement en studio et, surtout, on trouve dans la personne du percussionniste Andrea Centazzo, un musicien complètement en empathie et qui fait sienne la démarche révolutionnaire du saxophoniste britannique. A l’époque, un des rares musiciens qui fassent jeu égal avec EP. Utilisant des live-electronics pour compléter sa palette, Centazzo, un élève brillant du grand Pierre Favre, est alors un des rares percussionnistes radicaux qui se démarquent totalement de la batterie d’essence jazz « même free » en amortissant par exemple, la résonance des peaux en couvrant celles-ci d’ustensiles : cymbales chinoises, gongs, woodblocks, claves, crotales et jouant dans le registre aigu et modifiant les sonorités conventionnelles, abolissant la frontière entre le son musical et le bruit instrumental à l’instar du saxophoniste. Considérant que cet enregistrement d’époque fait partie d’une phase indispensable de sa propre évolution, Andrea Centazzo a tenu à exhumer ces bandes pour notre édification. Si ce percussionniste a tenu un rôle épisodique dans l’évolution quotidienne de l’improvisation libre durant les années septante, sa contribution fut réellement essentielle, inaugurant en compagnie de Steve Lacy, Derek Bailey, Evan Parker, Carlos Zingaro, Eugene Chadbourne, Toshinori Kondo, etc… de nombreux lieux dans l’Italie profonde et déflorant ainsi un nouveau public avec cette nouvelle musique, alors révolutionnaire. Il fut aussi le premier artiste européen à travailler avec John Zorn et Eugene Chadbourne. En outre, il produisit des albums révélateurs sur son label Incus. Sautez à pieds joints, le Splasc'h vaut largement la peine.

Tie The Stone To The Wheel  Evan Parker & Seymour Wright Fataka 12.

Certains labels de musique improvisée s’enrayent, ralentissent leur production, arrêtent, disparaissent et d’autres naissent et prennent vie. Parmi les nouveaux venus, Fataka nous offrent des choses pointues et audacieuses à l’écart des sentiers battus. Beau témoignage de cette activité ce duo d’anches remarquablement équilibré entre deux improvisateurs aux moyens inégaux mais focalisés sur l’essentiel. Si la très grande majorité des lecteurs de ce blog connaissent Evan Parker pour l’avoir entendu en public ou à travers le disque depuis quelques années ou quelques décennies, beaucoup ignorent tout de Seymour Wright... Je dois dire que moi même je n’arrive plus à retracer le nombre des concerts d'E.P. auxquels j’ai assisté, en Belgique ou à Londres ou parfois même ailleurs. J’ai découvert le saxophoniste alto Seymour Wright, il y a plus d’une dizaine d’années en compagnie d’Eddie Prévost, le percussionniste d’AMM et du pianiste Sebastian Lexer avec qui il a enregistré Blasen, un excellent album en duo. Pas étonnant de retrouver  ces deux saxophonistes face à face vu la proximité des ces deux artistes avec Eddie Prévost. On connaît l’implication de Seymour Wright dans cette discipline austère et rigoureuse au sein de la nébuleuse AMM, étant lui-même un des improvisateurs les plus impliqués (avec Lexer) auprès de Prévost. Ici Seymour souffle « franc jeu » en utilisant les ressources expressives de son sax alto de manière à créer une contrepartie logique, naturelle et charnue au jeu physique et expressif de son collègue, lequel est sans doute un des saxophonistes les plus impressionnants sur cette planète tant par les moyens musicaux que par sa technique absolument extraordinaire. Et j’aime vraiment beaucoup leur dialogue, car Evan joue superbement bien tout en se mettant au diapason  de Seymour au niveau émotionnel et qualité du son. Celui-ci altère et modifie constamment le timbre de son instrument par tous les moyens qu’il lui est possible et c’est avec grand plaisir qu’on goûte à l’infinité des détails sonores tout au long des cinq improvisations enregistrées au Kernel Brewery le 5 octobre 2014 et à The Studio, Derby, une semaine plus tard. Ils mettent en valeur la musique l’un de l’autre de manière vraiment remarquable via une qualité d’écoute mutuelle très exercée. Plus qu’une simple rencontre pour voir ce qui va se passer, il s’agit d’un vrai duo qui fonctionne pleinement entre deux saxophonistes que rien ne sépare, si ce n’est les générations. Et c’est bien la seule chose qu’on n’entend pas ici. Une belle réussite. Les seuls autres albums en duo d’Evan Parker avec d’autres saxophonistes (à ma connaissance) sont Duo London 1993 avec Anthony Braxton, Twines avec Urs Leimgruber, Monkey Puzzle et Live At Roulette avec Ned Rothenberg et j’aime tout autant Tie The Stone que ces derniers. C’est dire la qualité de ce duo.